Les producteurs de Numéro 9, Tim Burton, Jim Lemley et Timur Bekmambetov, vont s'associer à nouveau pour adapter à l'écran le roman de Seth Grahame-Smith: Abraham Lincoln: Vampire Hunter.

Dans le livre, le jeune Abraham perd sa mère à neuf ans et apprend bien plus tard qu'un vampire en est responsable. Le futur président des Etats-Unis devient donc chasseur de vampires, armé d'une hache.

Le film sera peut-être tourné en noir et blanc et la seule couleur que l'on verra à l'image sera le rouge du sang. Pour l'instant, le réalisateur et les acteurs n'ont pas encore été trouvés.

C'est l'un des effets sonores les plus utilisés au cinéma. Un son que vous avez déjà forcément entendu car il se trouve dans un très grand nombre de films célèbres.
A l'origine, il s'agit d'un cri poussé par l'acteur Sheb Wooley en 1951 dans Les Aventures du Capitaine Wyatt (Distant Drums), un western réalisé par Raoul Walsh.
C'est le grand spécialiste des bruitages, Ben Burtt, qui popularisa cet effet sonore en le baptisant « Wilhelm », du nom d'un personnage secondaire qui poussait également ce cri dans The Charge at Feather River en 1953.

Voici le personnage ayant donné le nom à ce cri.

The Charge at Feather River de Gordon Douglas (1953)

Près de 200 films ont utilisé le cri Wilhelm. En voici une petite liste: Them ! (1954), une Etoile est née (1954), la Terre des Pharaons (1955), la Horde Sauvage (1969), Star Wars (1977), l'Empire contre-attaque (1980), les Aventuriers de l'Arche Perdue (1981), Poltergeist (1982), le Retour du Jedi (1983), Indiana Jones et le Temple Maudit (1984), Willow (1988), Indiana Jones et la Dernière Croisade (1989), Gremlins 2 (1990), Batman Returns (1992), Reservoir Dogs (1992), Die Hard 3 (1995), Toy Story (1995), trilogie Seigneur des Anneaux (2001-2002-2003), trilogie Spider-man (2002-2004-2007), Pirates des Caraïbes (2003), Kill Bill (2003), Hellboy (2004), King Kong (2005), Cars (2006), The Mist (2007), Indiana Jones 4 (2008), Inglourious Basterds (2009), Iron Man 2 (2010)...

« Je souffrais de crampes d’estomac et ça m’a donné l’idée de la scène dans Alien où la créature perfore le ventre. »   (Dan O'Bannon)

Disparu le 17 décembre 2009 à l'âge de 63 ans, Dan O'Bannon était un talentueux scénariste spécialisé dans le fantastique et la science-fiction. Mais il n'a eu aucune reconnaissance dans un Hollywood où chacun s'est acharné à ruiner ses efforts et ses ambitions. Il débute au cinéma en 1974 en écrivant le scénario du premier long-métrage de John Carpenter: Dark Star. Dans ce film de fin d'étude, O'Bannon est aussi comédien et superviseur des effets spéciaux.

Dan O'Bannon et John Carpenter sur le tournage de Dark Star

En 1975, Alejandro Jodorowsky engage O'Bannon comme directeur des effets spéciaux sur l'adaptation cinéma du roman Dune. Jodorowsky fait également appel au dessinateur de bandes dessinées français Jean Giraud, alias Moebius, pour travailler sur les concepts visuels et le storyboard. Mais le projet Dune sera abandonné.

Peu après, O'Bannon collabore avec Moebius sur une bande dessinée intitulée The Long Tomorrow qui sera publiée dans le magazine Métal Hurlant en 1976. Le scénario d'O'Bannon raconte l'histoire d'un détective privé enquêtant à l'intérieur d'une vaste cité dans un futur lointain. Cette bande dessinée a notamment inspiré l'univers visuel de Blade Runner et certains éléments de l'histoire ont été réutilisés en 1981 pour le 1er tome de la série de bandes dessinées l'Incal de Jodorowsky et Moebius.

Dan O'Bannon se remet ensuite à écrire pour le cinéma avec l'aide de son ami et scénariste Ronald Shusett. Pendant la pré-production de Dune, O'Bannon était en contact avec l'artiste suisse Hans Rudi Giger dont les peintures de créatures monstrueuses l'avaient fortement impressionné.
O'Bannon écrit donc son scénario en ayant les monstres de Giger en tête. Son projet est un film d'horreur dans l'espace à petit budget intitulé Star Beast, en référence aux nombreux films de science-fiction de séries B des années 50/60 dont O'Bannon raffole. Mais ce premier titre est rapidement remplacé par Alien. L'un des producteurs du film, Walter Hill - également réalisateur - retravaille le script et y impose la présence de deux femmes et d'un androïde. Hill n'étant pas libre pour assurer la mise en scène, on propose à Ridley Scott de s'en charger. Ce dernier s'étant fait remarquer avec son film Les Duellistes qui avait remporté le prix de la première œuvre au festival de Cannes 1977.
O'Bannon présente les illustrations de Giger à Ridley Scott. Très intéressé par son travail, Scott engage aussitôt l'artiste pour qu'il crée la créature et le vaisseau extraterrestre. La suite, on la connaît...

Dan O'Bannon et H.R. Giger sur Alien

En 1981, Dan O'Bannon et Ronald Shusett écrivent le scénario de Réincarnations (Dead and Buried), un film d'horreur réalisé par Gary Sherman. O'Bannon a récemment avoué ne pas avoir écrit une seule ligne de Réincarnations. Mais son nom apparaît tout de même au générique à la demande de Ronald Shusett qui cherchait à profiter du succès d'Alien.

Deux ans plus tard, O'Bannon coécrit avec Don Jakoby le script de Tonnerre de Feu (Blue Thunder). C'est un thriller de politique-fiction massacré par les producteurs et mis en scène par John Badham.

En 1985, O'Bannon passe à la réalisation avec Le Retour des Morts-Vivants. John Russo, ancien associé de George Romero sur La Nuit des Morts-Vivants (1968), avait écrit une histoire qui était la suite du film de Romero. O'Bannon remania le script pour qu'il ne soit plus considéré comme une suite du film de 1968 et en fit une comédie d'horreur. Peu après, Dan O'Bannon écrit deux films de science-fiction pour Tobe Hooper: Lifeforce et l'Invasion vient de Mars.

En 1990, O'Bannon rejoint son vieux complice Ronald Shusett pour écrire le script de Total Recall  réalisé par Paul Verhoeven, d'après une nouvelle de Philip K. Dick.

C'est en 1992 qu'O'Bannon réalise son second long-métrage The Resurrected qui est une adaptation de l'Affaire Charles Dexter Ward de H.P. Lovevraft. Le film est largement tronqué par les producteurs, laissant O'Bannon dégoûté par le système hollywoodien.

Cinq ans plus tard, O'Bannon écrit  une seconde adaptation de K. Dick: Planète Hurlante (Screamers) de Christian Duguay.

Enfin en 1997, Dan O'Bannon et Ronald Shusett signent le script d'Hémoglobine (Bleeders) de Peter Svatek, d'après une nouvelle de H.P. Lovecraft.

Trop d'échecs, trop de frustrations, trop d'efforts pour si peu de résultats, O'Bannon décide d'interrompre définitivement sa carrière au début des années 2000.

Dan O'Bannon était atteint de la maladie de Crohn, une inflammation chronique du tube digestif. Il a tenu 30 ans avec cette maladie.

Dan O'Bannon et Ronald Shusett dans les années 70

James Cameron et la productrice Gale Anne Hurd

Les débuts

Pour James Cameron, il n'y a véritablement que dans deux domaines où l'on peut raconter des histoires en images: la bande dessinée et le cinéma. Il voulait devenir dessinateur de BD, mais il a préféré le cinéma.

Cameron ne s'est jamais intéressé aux effets spéciaux jusqu'au jour où il voit 2001: l'Odyssée de l'espace. C'est pour lui une véritable expérience.
Plus tard, il découvre un livre sur "le making of" du film où il apprend toutes les techniques du chef-d'œuvre de Kubrick. C'est sa première clé pour entrer dans le monde du cinéma.

Un jour, un ami lui propose de travailler sur un court-métrage. Cameron accepte avec enthousiasme. Il s'agit d'un petit film de science-fiction de douze minutes et dont les trucages sont faits en animation image par image. L'histoire raconte le combat entre un énorme robot extraterrestre en forme d'insecte et une machine à quatre jambes pilotée par une femme. Cameron reprendra cette idée pour le spectaculaire combat final d'Aliens. Peu après, il se rend à la New World Pictures montrer son court-métrage à Roger Corman, le roi de la série B. Celui-ci l'embauche au poste de constructeur de miniatures sur Les Mercenaires de l'espace.
C'est à la  New World que Cameron fait la connaissance de Gale Anne Hurd, la future productrice de Terminator, Aliens, Abyss et Terminator 2. Cameron se souvient qu'il devait travailler très vite et avec un budget extrêmement réduit. Mais les débutants de la New World étaient ravis de participer à un vrai film avec leurs noms apparaissant sur le générique de fin. Rien n'était plus motivant. Le but était de décrocher une place de réalisateur en fin de parcours. C'est ce qui arrive à James Cameron quand Roger Corman lui propose de diriger Piranhas 2, une production italienne. Sur le tournage, personne ne se comprend car pas un seul membre de l'équipe ne parle anglais, pas même le directeur de la photo qui doit souvent discuter avec le réalisateur pour la préparation de chaque plan. Peu après, Cameron tombe malade. Il doit rester plusieurs jours dans sa chambre d'hôtel à Rome avec une forte fièvre. C'est en réfléchissant à divers projets que James Cameron voit l'image d'un homme pénétrant dans les flammes et ressortant transformé en robot.
Cette scène, qu'il voit clairement dans son esprit, sera à la base de son projet Terminator. Selon Gale Anne Hurd, cette image du robot sortant des flammes proviendrait d'un cauchemar qu'aurait fait Cameron durant sa fièvre. Cette fameuse image marque pour James Cameron le début d'une extraordinaire oeuvre cinématographique.

Les héroïnes

James Cameron pense qu'il y a déjà tellement de héros masculins au cinéma que ce n'est pas évident d'innover. Avec une femme pour héroïne, on peut retourner les vieux clichés machistes et explorer de nouveaux enjeux dramaturgiques. Dans ses films, les femmes ont tellement d'énergie et de force de caractère qu'elles deviennent les égales des hommes, voire davantage.

La mythologie

Ecrivains, poètes et cinéastes illustrent toujours les mêmes archétypes mythologiques. Chacun habille le mythe à sa façon. Par exemple, dans Aliens, quand Ripley décide de sauver la petite fille, elle descend profondément sous terre et arrive dans un lieu ressemblant aux enfers. Comme Orphée descendant au royaume d'Hadès pour délivrer sa bien-aimée Eurydice en déjouant la vigilance de Cerbère, le chien gardant l'entrée des Enfers. Mais Orphée échoue.
Cameron s'est permis une variation par rapport au mythe d'Orphée car Ripley, elle, parvient à sauver la fillette. Elles quittent ensuite les lieux, poursuivies par la reine des aliens, que l'on peut voir ici comme une sorte de cerbère.
Les grecs croyaient dans le fatum, dans l'idée que les dieux triomphent toujours d'un homme qui les défie. James Cameron aime montrer comment les individus peuvent ressortir vainqueurs d'un enfer, quel qu'il soit, par leur seule volonté.

                             la reine des aliens                          Cerbère, le chien de la mythologie grecque

La cinéphilie

On dit souvent qu'Abyss est le 2001 de Cameron et que Titanic  est son Autant en emporte le Vent. Ce n'est pas vraiment étonnant car ces deux grands classiques du cinéma font partie des films préférés de James Cameron.

                           Abyss                                                          2001

                                            Titanic                                                        Autant en emporte le Vent

On a souvent reproché à Indiana Jones et le Temple Maudit son côté trop violent pour un film tous publics. C'est d'ailleurs en grande partie à cause de ce reproche que Steven Spielberg et George Lucas décidèrent de concevoir un troisième épisode plus léger, sans violence et avec beaucoup d'humour. Etait-ce la meilleure solution ? Pas forcément. Car, au final, Indiana Jones et la Dernière Croisade est plus une comédie qu'un vrai film d'aventure. En outre, une comédie proche des films de Gérard Oury comme la Grande Vadrouille ou l'As des as alors qu'il aurait été préférable de s'inspirer des comédies de John Ford et d'Howard Hawks comme ce fut le cas pour les deux premiers films de la série. Quant au Royaume du Crâne de Cristal, ce quatrième opus des aventures d'Indy est tellement catastrophique que j'en parlerai ultérieurement.

Au sujet de la violence du Temple Maudit, les scénaristes du film, Willard Huyck et Gloria Katz, s'expliquent dans un entretien publié dans l'Ecran Fantastique n°48 en septembre 1984.

Les scénaristes d'Indiana Jones et le Temple Maudit

Pensez-vous que si vous deviez, maintenant que vous avez un enfant, récrire Indiana Jones et le Temple Maudit, vous l'écririez autrement ?

G.K: Non, parce que je pense sincèrement que c'est aux parents qu'il appartient de décider si un film est trop violent pour leurs enfants ou non. Il me semble que je n'ammènerais pas un enfant de moins de huit ou dix ans voir le film, mais après tout, les enfants ne sont plus ce qu'ils étaient... Et je trouve que l'on voit beaucoup plus de scènes de violence à la télévision que dans ce film. Il y a, par ailleurs, chez les enfants, ce besoin de se faire peur. Ils adorent ça, je crois. Personnellement, j'ai horreur des films sanglants. Mais pour moi, le Temple Maudit ne se déroulant pas dans un contexte réaliste, la violence s'y exprime d'une façon toute différente. Rien à voir avec la violence quotidienne. C'est pour ainsi dire un conte de fées, et les contes de fées n'ont jamais été aseptisés.

Sans compter que la notion de rédemption n'a plus de sens s'il n'y a pas d'épreuve...

G.K: Exactement. Loin de nous l'intention d'exploiter la vogue actuelle de la violence. Ce n'est jamais gratuit dans le film. Nous nous sommes tout simplement efforcés de donner une certaine réalité à un culte maléfique.

Que pensez-vous, alors, des commentaires de la presse, qui ont taxé le Temple Maudit de « complaisance dans la violence » ?

W.H: Je crois que les critiques ont fait l'amalgame entre la violence et l'atmosphère sombre, étouffante, du Temple Maudit. Dès que les héros y pénètrent, le ton du film change radicalement et je pense que c'est l'atmosphère dans laquelle se déroulent les quelques scènes un peu violentes qui leur ont fait dire qu'elles étaient très dures. Mais c'était très précisément l'intention de Steven, de faire un film qui s'inspirait davantage de la maison hantée de Disneyland que de la promenade dans la jungle dont relevait plutôt le premier film. Il me semble que c'est ce qui accentue la violence. Pour moi, la scène du cœur arraché, qui est éminemment violente du point de vue des idées, perd de son impact par le seul fait que la victime est toujours consciente et suit les événements de ses propres yeux. Je me demande si les parents ne réagissent pas plus fortement que leurs enfants à ce spectacle. Encore que j'aie entendu dire que certains enfants avaient été impressionnés.

G.K: Ceux dont j'ai entendu parler n'avaient pas été impressionnés le moins du monde ! Il s'agit là d'une violence de conte de fées, comme quand on met ses mains devant les yeux pour regarder un film quand on est petit. J'ai vu tellement de films infiniment plus épouvantables que je trouve qu'on nous fait là un procès injuste.

W.H: Il me semble que, plus que les images, c'est l'idée des enfants que l'on fouette qui a frappé les gens, parce qu'en réalité, quand on observe bien le film, on voit peut-être des enfants recevoir des coups de fouets, mais dans les plans d'ensemble, jamais en gros plan et parfois même hors champ.

G.K: Enfin puisque nous avions besoin d'un « méchant », il fallait bien qu'il fasse de méchantes choses ! Nous ne pouvions pas nous contenter de lui faire dire: « c'est moi le méchant du film, avec un M majuscule ! » Les nazis, c'était plus facile: pas besoin de montrer leurs crimes, on sait qu'un nazi, c'est très, très méchant. Alors que là... Nous ne pouvions pas, non plus, nous contenter d'un méchant de pacotille. Il fallait pour ainsi dire faire toucher sa méchanceté du doigt pour rendre la fable convaincante.

Nous avons trouvé que la violence était tempérée par le changement d'attitude d'Indy...

G.K: Je suis d'accord avec vous. On nous a aussi reproché d'avoir fait un film pessimiste, d'où l'humour était absent à partir d'un certain moment. A cela je répondrais que nous ne pouvions pas passer notre temps à faire échanger des plaisanteries fines aux personnages. Ç'aurait été au détriment du film. Nous nous sommes efforcés, au contraire, de rendre crédible ce culte maléfique parfaitement invraisemblable. Y ajouter des notations humoristiques aurait tout gâché.

W.H: D'ailleurs, la séquence dans laquelle Indiana est possédé est celle que Harrison Ford et Steven Spielberg attendaient avec la plus grande impatience parce qu'elle révèle un aspect inédit de la personnalité du héros.